Abstrakter Expressionismus im 20. Jahrhundert

Der in den 1940er bis 1950er Jahren in New York entstandene abstrakte Expressionismus war bei weitem der unkonventionellste Kunststil der Zeit. Diese Kunstbewegung entstand aus tiefen Emotionen und symbolischen Bedeutungen und wurde größtenteils von ihrem Vorgänger, dem Surrealismus, beeinflusst. Diese Bewegung verwandelte den Surrealismus in eine neue Form, die für die Nachkriegsstimmung der Depression und des Traumas geeignet war. Sie brach die Gesetze der Form und des Sujets und zeichnete sich durch den Einsatz von Farben zur Schaffung abstrakter, oft unbeschreiblicher Formen aus. Zur Zeit ihrer Entwicklung wurde diese Bewegung nie wirklich gemocht. Tatsächlich wurde sie aufgrund ihres Mangels an Finesse und Schönheit nicht als Kunst angesehen. Kunst war früher eine Frage der Ästhetik und der Darstellung der menschlichen Natur. Doch bei der modernen Kunst, insbesondere beim abstrakten Expressionismus, war das anders. Kunst wurde zu einer Methode des Ausdrucks von Emotionen durch kraftvolle Pigmentanwendung auf der Leinwand. Die Darstellung von Schönheit stand nicht mehr im Mittelpunkt der Malerei, vielmehr wurde sie zu einem Modus der Selbstexpression. Abstrakte Expressionisten wie Willem de Kooning, Mark Rothko und Jackson Pollock haben die Art und Weise, wie wir Gemälde schaffen, analysieren und betrachten, für immer verändert.

Die abstrakten Expressionisten, auch bekannt als The New York School, waren eine kleine Gruppe von Künstlern in den 1940er Jahren, die entschlossen waren, den Kern der Kunst für immer zu verändern. Diese Gruppe verlagerte den Fokus von der Schönheit auf eine radikalere Form, die früher als „unattraktiv“ oder im schlimmsten Fall als hässlich bezeichnet wurde. Diese Bewegung umfasste eine breite Palette von Malstilen, jeder mit seiner eigenen einzigartigen Technik und seinem eigenen Repräsentationsniveau. Trotz ihrer Vielfalt haben die Gemälde des abstrakten Expressionismus einige gemeinsame Merkmale. Sie verwenden häufig Elemente der Abstraktion durch die Darstellung von Symbolen, die übertrieben oder, im Extremfall, Strukturen sind, die nicht aus der beobachtbaren Welt stammen, wodurch das Kunstwerk unrealistisch wirkt. Sie fördern ungezwungenen, spontanen und individuellen Ausdruck und verwenden eine Vielzahl von Methoden und Flexibilität, um dieses Ziel zu erreichen, mit besonderem Schwerpunkt auf der Nutzung der unterschiedlichen physischen Aspekte von Farbe, um dramatische Merkmale zu erzeugen.

Die Entstehung des abstrakten Expressionismus

Die Ursprünge dieser Bewegung lassen sich auf die figurative Kunst der 1930er Jahre zurückführen. Fast alle Künstler, die in den 1940er und 1950er Jahren zu „ab-ex“-Maler in New York wurden, waren von der Großen Depression betroffen und reiften in einem Stil heran, der von den Bewegungen des Regionalismus und des Sozialrealismus beeinflusst war. Das Problem war, dass die beiden großen Kunstbewegungen dieser Zeit, Regionalismus und Sozialrealismus, ihre Forderung nach einem Bruch mit dem zeitgenössischen Denken nicht erfüllen konnten. Dabei wurden sie stark durch das Aufkommen einer Vielzahl zeitgenössischer Künstlerflüchtlinge aus Europa beeinflusst, deren progressiver Ansatz zur Kunst viele kreative Möglichkeiten eröffnete. Diese europäischen Künstler, wie Hans Hoffman, hatten einen großen Einfluss auf die Entstehung des abstrakten Expressionismus in New York.

Dies verstärkte ihr Engagement für eine Kunstform, die auf individueller Perspektive basiert. Die Zeit, die sie mit dem Malen von Wandgemälden verbrachten, inspirierte sie dazu, später großformatige abstrakte Kunst zu schaffen. Anstatt Figuren darzustellen, die für das menschliche Auge erkennbar sind, zeigen sie die Ablehnung traditionell organisierter Kompositionen zugunsten eines einzigen, einheitlichen, undifferenzierten Bildes in einem unorganisierten Raum. Außerdem nehmen die Gemälde riesige Leinwände ein, was den visuellen Eindrücken Majestät und zwingende Kraft verleiht.

Einer der größten Einflüsse dieser Kunstbewegung ist vielleicht der Surrealismus, eine frühere Kunstbewegung, die vor dem Aufkommen des abstrakten Expressionismus existierte. Der Surrealismus hatte einen einzigartigen Einfluss auf das Denken der abstrakten Expressionisten. Obwohl die amerikanischen Künstler mit der expliziten freudianischen Symbolik der europäischen Bewegung unwohl waren, fühlten sie sich von ihren Studien zum Unterbewusstsein sowie von ihrem primitiven Interesse an Mythen angezogen. Beide Bewegungen konzentrieren sich auf das Unterbewusstsein, das zum Nachdenken anregt. Der einzige Unterschied besteht darin, dass der Surrealismus Objekte und Figuren verwendet, die für das menschliche Auge erkennbar sind.

Zwei Hauptstile des abstrakten Expressionismus

Diese Kunstbewegung umfasst mehrere Stile, die schwer voneinander zu unterscheiden sind. Doch während ihrer frühen Entwicklung entstanden zwei Hauptstile, insbesondere Action Painting und Color Field.

1. Action Painting:
   
   Das Hauptmerkmal dieses Kunststils sind die ausdrucksstarken, oft emotionalen Farbtropfen, die auf der Leinwand verteilt werden. Es zeichnet sich durch eine freie, hastige, flüssige oder energetische Anwendung von Farbe in wilden oder schwungvollen Pinselstrichen aus, sowie durch Techniken, die teilweise durch Zufall bestimmt werden, wie das Gießen oder Verschütten von Farbe direkt auf die Leinwand. Jackson Pollock, der als Erfinder dieses Kunststils gilt, experimentierte ursprünglich mit Action Painting, indem er kommerzielle Farben über leere Leinwände goss und komplizierte und verdrehte Muster der Farbe zu einem aufregenden und provokativen linearen Stil zusammenfügte. Diese Methode des Malens führt zu subjektiven und impulsiven Ergebnissen.
   
   Ein weiterer bekannter Künstler dieses Stils war Willem de Kooning, dessen Gemälde sich durch satte Farben, ausdrucksstarke Pinselstriche und strukturierte Bilder auszeichneten. Obwohl De Kooning und Pollock beide mit der „energischen“ Form des abstrakten Expressionismus verbunden sind, unterscheiden sich seine Werke sowohl physisch als auch künstlerisch von denen Pollocks. Seine gewalttätige und bedrohliche Frau-Serie aus sechs Gemälden (1950-3), die eine weibliche Figur darstellt, verkörperte seinen figurativen Ansatz, während er auch abstrakte Stücke schuf. De Kooning, wie Pollock, war fest davon überzeugt, dass ein Maler seine inneren Impulse auslebt und dass das Publikum etwas von seiner Stimmung oder seinem Bewusstseinszustand in den resultierenden Pinselstrichen lesen kann.
   
   
   
2. Color Field:
   
   Der zweite Kunststil ist Color Field, ein weniger energetischer und passiver Stil innerhalb der Bewegung des abstrakten Expressionismus, der in den späten 1940er und frühen 1950er Jahren entstand. Wichtige Vertreter dieses Kunststils waren Mark Rothko, Barnett Newman und Clyfford Still. Maler dieses Stils experimentierten mit der Verwendung von flachen Farbfeldern oder -landschaften, um beim Betrachter Reflexionen zu fördern – bis hin zu einem fast mystischen Intensitätsgrad. Die größten Triumphe des abstrakten Expressionismus basierten häufig auf einem Konflikt zwischen Unordnung und Stabilität. Diese Malerei konnte nur auf eine begrenzte Anzahl von Techniken durchgeführt werden. Einige Maler, wie Newman und Rothko, hatten einen Stil entwickelt, der so minimalistisch war, dass kaum Potenzial für Weiterentwicklung bestand – und eine Richtungsänderung hätte die Brillanz ihrer kraftvollen Markenzeichen verringert.
   
   Im Allgemeinen war der Antrieb analytisch und philosophisch, wobei grafische Techniken vereinfacht wurden, um eine Art grundlegender Wirkung zu erzielen. Die Color-Field-Maler sprachen von dem Wunsch, das „Göttliche“ zu schaffen, anstatt das „Wunderbare“, und bezogen sich dabei auf Edmund Burkes Streben nach einer großen, grandiosen Vision im Gegensatz zu einer beruhigenden oder tröstenden Wirkung. Vielleicht war Rothko der bekannteste Maler dieses Stils, der bedeutendste Color-Field-Maler, dessen Werke hauptsächlich aus großen Kompositionen von sanftkantigen, kräftig gefärbten Bildblöcken bestehen, die den Betrachter wirklich zum Nachdenken anregen.

Abschließende Gedanken

In den 1950er Jahren hatte der abstrakte Expressionismus einen erheblichen Einfluss sowohl auf die New Yorker Schule als auch auf die europäische Kunstlandschaft. Tatsächlich signalisierte der Trend die postwar Verlagerung des künstlerischen Zentrums der modernen Kunst von Paris nach New York City. Die Gemälde wurden in Wanderausstellungen und Zeitschriften umfassend betrachtet. Nach dem abstrakten Expressionismus wurden neue Künstlergenerationen auf der ganzen Welt stark von den Errungenschaften der vorherigen Ära beeinflusst und schufen ihre eigenen bedeutenden Ausdrucksformen, die auf, aber nicht eine Nachahmung, derer basierten, die die Philosophie, den Stil und die Techniken dieser Kunstbewegung entwickelt hatten.